Fotogafríഎ ടെ cáമറ estenopeica

De Irimar

De Estenopeica

Cámara estenopeica

Una cámara estenopeica es una cámara fotográfica sin objetivo. La luz produce una imagen que pasa a través de un pequeño agujero. Para producir una imagen nítida es necesario que esta apertura sea muy pequeña, del orden de 0,5 mm (1/50 pulgadas). El obturador de la cámara normalmente consiste en un material que no permite el paso de luz con el que manualmente se tapa el agujero. El tiempo de exposición normalmente es mucho mayor al necesario con cámaras convencionales debido al tamaño de la apertura, pueden ir desde 5 segundos hasta más de una hora.

¿Como hacer una cámara estenopeica?

1) Pintamos el interior de la caja con pintura negra, para evitar que la luz penetre en nuestra cámara y rebote por los lados de la caja.
2) Recortar un cuadrado de 2×2 cmts en uno de los lados de la caja.
3) Tomar un pequeño trozo de papel aluminio y con el alfiler hacerle un pequeño orificio en el medio.
4) Pegar con la cinta adhesiva el papel aluminio a la parte recortada de la caja, dejando un pedazo de cinta sobre el agujero como tapa de la lente.
5) En el interior de la caja pegar firmemente el papel fotográfico al lado contrario de la parte recortada.

Luego de estos simples pasos tendrás tu propia cámara casera, para tomar una fotografía lo único que tenés que hacer es apuntar la parte de la caja con el papel aluminio y sacar la cinta adhesiva que cumplía el papel de la tapa para el lente y dejar quieta la caja durante unos 15 segundos, después sin permitir que al papel le llegue la luz, podés mandar a revelar las fotos. Es muy sencillo y divertido.

Caio Reisewitz

Su fotografía enfoca hacia la evolución del paisaje a partir de la intervención humana a pesar de que el humano no está presente en ninguna de las fotografías,
La reforma agraria es según Reisewitz el cáncer que ataca y destruye la naturaleza Brasileña, sistemas de producción que no han evolucionado desde el siglo XVIII que perjudica tanto a pequeños agricultores como a la misma naturaleza.
Los espacios naturales, protagonistas indiscutidos, aparecen en todas sus facetas: de la vegetación boyante que invade el santuario colonial de San Pedro Claver en Cartagena de Indias (Colombia), a la floresta artificial del Palmengarten de Francfort; de la selva arrasada por las explotaciones ganaderas de la región de Aquidauana, a la naturaleza virgen, ajena a la interferencia humana, de Mamanguà en el litoral de São Paulo.
De los seres humanos, grandes ausentes de las imágenes de Reisewitz, quedan huellas inequívocas en la naturaleza herida y en las obras arquitectónicas: de las chabolas que el Movimiento de los Sem Terra construye en los latifundios, hasta las iglesias barrocas con las que los misioneros apabullaban a los indios, pasando por los edificios-símbolos de Oscar Niemeyer. El artista ha realizado otra serie sobre las iglesias barrocas y el patrimonio arquitectónico colonial amenazado por encargo de la UNESCO. Ha viajado a la Antártida para registrar el deshielo y allí inmortalizó toda la majestuosidad del entorno natural y su inevitable deterioro.
En las fotografías de Galicia, Caio Reisewitz se acerca todavía más a la condición romántica, a la búsqueda del lado oscuro de la naturaleza. Sus paisajes alejados de lo paradigmático y lo paradisíaco, como dice Rafael Argullol y cita David Barro: “la contemplación deja de ser meramente física para convertirse en contemplación abstracta, es decir, que permite percibir la imagen integral de la nostalgia romántica”, recuperando la suerte de lo sombrío, la confusión que el cielo densifica para ampliar nuestra imaginación de lo sublime.

Tono o valor.

Cada color se identifica por el tono que es la frecuencia de la longitud de onda de un color dado. Como todos sabemos, el rojo es diferente del verde, y el púrpura del café. El tono es una identidad única de cualquier color dentro del espectro, aquello que lo diferencia de lo otro. Que un color sea primario, secundario o intermedio, o que se cree por un proceso sustractivo o aditivo, no tiene importancia alguna en relación con el tono; a su vez, que un color exista como una entidad única define el tono. El blanco y el negro, son los valores de luz más alto y más bajo respectivamente. El valor de color se refiere a la luminosidad u oscuridad del color. El blanco tiene el grado más alto de reflexión de la luz, mientras que el negro es el que tiene el grado más bajo de reflexión de la luz. En el espectro de color, los tonos claros tienen un grado de reflexión de la luz mayor que los colores oscuros. El valor del color, es su posición respectiva en la escala blanco-negro. Cuando el color se aclara con blanco, el tono resultante se llama degradado. El valor de color, es la segunda cualidad de color. Distingue un color oscuro de uno claro. El café chocolate es más oscuro que el marrón claro, y el azul cielo es más claro que el marino. El valor de un color se define por la cantidad de luz u oscuridad del mismo.

Maruja Mallo

Maruja Mallo

Maruja Mallo es una artista de la generación de 1927 y es una de esas artistas de la llamada vanguardia interior española que cabe situar en algunos periodos de su producción en la órbita del surrealismo más canónico y sobre las que se realiza un rescate intermitente pero incompleto en colectivas de los años 70 y en monográficas de forma más reciente.

Su formación comenzó en Avilés, por los azares profesionales de su padre que era funcionario del Cuerpo de Aduanas, en la Escuela de Artes y Oficios y en estudios particulares. En Asturias comenzó a exponer antes de trasladarse a Madrid para completar su formación al igual que su hermano el escultor Cristino Mallo en la Facultad de Bellas Artes de San Fernando asistiendo al tiempo a la Academia Libre de Julio Moisés.

Su primera individual auspiciada por José Ortega y Gasset tuvo lugar en 1928 en los Salones de Revista de Occidente. Por entonces realizaba una obra en la línea de la nueva objetividad o realismo mágico en célebre fórmula del importante texto de Franz Roh publicado en 1927, con la serie de Verbenas y las Estampas que de dividirían en populares, deportivas, de máquinas y maniquíes y cinemáticas.

De su intensa colaboración con Alberti hasta 1931 quedarían los decorados del drama "Santa Casilda" (1930),testimonios en los libros "Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos" y en "Sermones y moradas". Por esos años –según Cyril Brian Morris- Alberti parecía poner en palabras lo que expresaba con el pincel Maruja Mallo, a ella dedicó El ángel falso de Sobre los ángeles. Son l os años de la serie Cloacas y campanarios cercana a los planteamientos de la Escuela de Vallecas de Alberto Sánchez, Benjamín Palencia, Miguel Prieto, Souto, Rodríguez Luna y Eduardo Vicente de la que formó parte.

También estaba próxima esta obra a la poesía de Oliverio Girondo.

Su primera exposición en París tuvo lugar en la Galería Pierre Loeb en 1932. Había viajado allí con una pensión de la Junta de ampliación de Estudios (de escenografía en concreto) para una año de estancia en el que suscita el interés de André Breton que adquiere su Espantapájaros (1929) y que le proporciona la amistad de Jean Cassou además del contacto con Picasso, Miró, Péret, Aragon, Arp, Magritte y el grupo Abstraction-Création del que formaba parte Joaquín Torres-García. Un año después entraría en contacto con el Grupo de Artistas de Arte Constructivo con el que Torres-García trasladó a España la experiencia parisina y del que formaban parte Manuel Ángeles Ortiz, Moreno Villa, Alberto, Palencia y Luis Castellanos empeñado en la traducción del tratado de La Divina Proporción de Luca Paccioli. Adopta la sección áurea como base de sus trabajo y comienzan los trazados armónicos preparatorios de sus lienzos. Formula nociones como la matemática viviente del esqueleto, afirma su interés por la creación de un lenguaje universal basado en los principios de la geometría que tiene su correspondencia con los principios constructivos de Torres-García .
Realiza viñetas para la Revista de Occidente y otras revistas en 1934.Fiel a los postulados de acción social de la República desarrolló una triple dedicación docente como profesora de Dibujo en el Instituto de Arévalo, en el Instituto Escuela de Madrid y en la Escuela de Cerámica de Madrid para la que diseña una serie de platos cuya pérdida hay que lamentar. 1935 es el año de la Exposición L´Art espagnol Contemporain en el Jeu de Paume. El Museo de Escuelas Extranjeras de París le adquiere la cuarta de sus Verbenas.
También en 1935, en febrero, tiene lugar el encuentro definitivo con el poeta Miguel Hernández en la Casa de las Flores de Pablo Neruda, aunque le había sido presentado años antes por Arturo Serrano Plaja. Lo cierto es que juntos planearon el drama Los hijos de la piedra inspirado en los sucesos de Casa Viejas y Asturias y a la influencia de Mallo se deben las cuatro composiciones que el poeta desgajó de El rayo que no cesa bajo el nombre de Imagen de tu huella y 18 de los 30 poemas de esa obra.
En mayo de 1936 tiene lugar su tercera individual organizada por ADLAN en el Centro de Estudios e Información de la Construcción en la Carrera de San Jerónimo de Madrid con la serie de 16 cuadros de Cloacas y Campanarios, la serie de 12 obras de Arquitecturas minerales y vegetales y 16 dibujos de Construcciones rurales que publicaría en 1949 la Librería Clan con prólogo de Jean Cassou.
Realizó por entonces una serie de bocetos de escenografía y figurines conocidos como Plástica escenográfica para la ópera Clavileño de Rodolfo Halffter que no llegó a estrenarse y con Ángel Planells fue seleccionada para una exposición de surrealismo internacional en las New Burlington Galleries de Londres.
La Guerra Civil la sorprende con las Misiones Pedagógicas en Galicia de donde pasa a Lisboa acogida por Gabriela Mistral, embajadora de Chile en Portugal. Una invitación de la Asociación de Amigos del Arte a dar una serie de conferencias con el tema lo popular en la plástica española (a través de mi obra) en Montevideo y luego en Buenos Aires hacen posible su exilio en Buenos Aires a donde llega el 9 de febrero de 1937, allí pasaría 25 años. Su primera obra allí continúa la vía iniciada con Sorpresa del trigo con obras como Arquitectura humana, Canto de espigas y Mensaje del mar.

Maruja Mallo pintó su primer cuadro en Buenos Aires, que inaugura una serie marina. La Serie Marina son armonías lunares, en colores plata y gris. Otra fue la influencia del sol que sería La Serie Terrestre y que eran armonías solares, en ocres y dorados. En la serie de las mascaras, Mallo se inspiró directamente en los cultos sincréticos de los Américas.
Entre 1945-1957, Maruja Mallo tuvo un periodo oscuro; sus apariciones públicas y sus exposiciones también eran más raras. En 1964, ella regresó a España. Pero aquellos que fueron sus contemporáneos o bien estaban muertos o seguían en el destierro. Su vida pública se extinguió.

En 1967, Mallo recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes. Mucha gente describe a Maruja Mallo como una mujer divertida y que supo disfrutar de su vida y creer en la libertad. Ella vivía su vida como una rebelión permanente contra las convenciones artísticas y sociales del mundo.
Muere en 1995.

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Ya hemos llegado!

Ya estamos aquí, ya hemos creado nuestro fantástico blog, poco a poco iremos subiendo más entradas.